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colaboradores
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Javier Seco Goñi
Donosti, España, 1958. Autor multidisciplinar. Deambulante entre las artes. Amplia trayectoria. Expos nacionales, bastantes. Internacionales algunas. Miembro activo de colectivos como IMANES PERMANENTES o LUZ Y CÍA. Colaborador pertinaz con publicaciones (PINTALO DE VERDE, LALATA, METAMORFOSIS,...) y editoriales (DIÓGENES INTERNACIONAL, EL TORPE AL TIMÓN,..). Trastea con la Acción, el Mail Art, la Performance, las Instalaciones Ambientales , la Poesía Visual y el Poema Objeto. Actualmente comienza a trabajar con Luz |
Guillermo Núñez
Nació en Santiago de Chile, 1930. Estudia en la Escuela de Teatro y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. En 1952 obtuvo el título de Profesor de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. En 1953 estudia en la Academia Grand Chaumiére y en la Biblioteca del Arsenal y de la Opera, París (Francia). En esta ciudad conoció personalmente a Roberto Matta, y se impresionó con la obra de Rembrandt y Delacroix. En 1959 estudió Grabado en Praga, Checoslovaquia y en 1959 fue becado por el Ministerio de Cultura de Checoslovaquia. Artista complejo y multifacético, ha buscado puntos de encuentro y de integración de las disciplinas y desarrollado estrategias de expresión. En la década de los cincuenta Núñez viajó por Europa, donde conoció a grandes artistas, poetas y directores de cine, lo cual le provocó su alejamiento de Chile y un proceso de búsqueda de su paisaje interior. Se instaló en Nueva York y regresó a Chile en 1968. En 1971, fue nombrado Director del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. Durante 1975 fue detenido tras la clausura de una exposición suya y expulsado del país. Exiliado en Francia, donde siguió desarrollando su carrera, regresa a Chile en 1987. Desde entonces, ha expuesto en numerosos espacios, debiendo señalarse su retrospectiva en el MAC en 1993. El año 2006 recibe el Premio Altazor de “Grabado y dibujo”. En España trabaja con el Centro de Arte Moderno (Madrid) desde su fundación, habiendo realizado en setiembre de 2006 su última exposición individual donde se presentó el libro de artista “Contra la muerte” con textos de Gonzalo Rojas y serigrafías intervenidas de su autoría. El 28 de agosto de 2007 recibe el Premio Nacional De Artes de Chile por su trayectoria. |
Juan Yagüe
Nací en Madrid en 1963. Desde muy joven me sentí atraído por el mundo del arte en general y de la pintura en particular. A pesar de que comencé Historia del Arte, mi espíritu vitalista e inquieto me llevo a dejar inacabada la carrera y a dedicarme intensamente a la pintura. He participado en distintos cursos y talleres de pintura y grabado, en los que pude ampliar varias técnicas y formas de expresión. Sirve esta introducción escrita, poco reflexiva y muy pasional, como preámbulo de mi visión interior. Sujeto a lo que dicta mi inconsciencia y mi inconsciente cuando me encuentro solo, doblegado al impulso creador que de mucho me sirve, y sin subestimarle, creo que poco podrá modificar mi devenir; descubro que soy una maraña de recuerdos, emociones, signos, proyectos imposibles sin aparente coherencia pero imprescindibles para mi necesidad vital de expresarme y crear. Estilo: en cuanto a mi arte y a pesar de lo mucho que podría decir dejándome llevar por mi ego artístico, me gusta que los que contemplan mis obras se sientan libres para que cada cual reflexione y saque sus propias conclusiones. Os menciono una pequeña y brevísima selección de mis exposiciones individuales y colectivas. Individuales:
Colectivas:
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Joaquín Francisco Torrego Graña
Nace en Madrid, en 1967. Doctor por la Universidad Complutense. Premio Extraordinario de Doctorado, Facultad de Bellas Artes. Licenciado en Bellas Artes por la especialidad de Pintura. Cursos de postgrado en la UNED en Pedagogía de las Artes Visuales, Nuevas tecnologías y producción multimedia, Representaciones plásticas y acciones rituales en la Antigüedad, Holografía: Arte y Tecnología. Profesor del Departamento de Dibujo I de la Facultad de Bellas Artes, UCM, de Dibujo Artístico de Artes Plásticas y Diseño y de Dibujo de Educación Secundaria. Ha realizado exposiciones individuales en centros culturales y galerías de Madrid desde 1996, siendo la más reciente la organizada en la galería Centro de Arte Moderno (CAM) de Madrid, con el lema “Pictoricismo Digital e Iconografías Pictóricas”. En cuanto a exposiciones colectivas, ha participado en las organizadas en 1998 en el Instituto Cervantes de Bremen y en la Galería Aktions de Berlín (Alemania), así como en centros y galerías de Madrid y provincia. En el 2007, realiza la instalación multimedia “HEROIDAS 0.7” en el Teatro Romano de Mérida, dentro del programa expositivo de arte público “Hitos Temáticos” organizado por el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Entres sus galardones figuran la concesión del Primer Premio, Mención Especial y Medalla en varios certámenes y concursos de ámbito nacional. En especial, ha recibido en varias ocasiones el Premio de Dibujo “RAFAEL PENAGOS” (2001, 2003, 2005, 2006) y el Premio de Dibujo “GREGORIO PRIETO” (2002, 2005, 2006). Entre sus textos científicos destaca el artículo titulado “El Juego de los Cuartos Infinitos (Reglas Básicas)“ que se incluye en la Revista Experimental de Arte y Creación La Más Bella en su número de febrero de 2005, presentada en ARCO 05 y en el Museo Vostell-Malpartida el día 18 de mayo de 2005. También es de mencionar el diseño de un material informático multimedia (didáctico e interactivo) para el estudio de la Historia del Arte, “La interpretación de las representaciones gráfico-plásticas zoomórficas en el arte paleolítico. Relaciones con el arte moderno y contemporáneo”. |
María Suardi
Nace en Rosario (Argentina) en 1937. Desde 1969 expone individualmente en Argentina, Paraguay, Bolivia, Perú, Uruguay, Inglaterra, Italia, España y Alemania. Becada por el Fondo Nacional de las Artes en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”; por el Consejo Británico en el Slade School of Fine Art de la Universidad de Londres; por el Gobierno Italiano en el Instituto Statale d´Arte d´Urbino y por Partners of the Americas en Los Angeles, U.S.A. En 1990,1994 y 1996, fue invitada a trabajar como artista residente en la Facultad de Arte, Diseño y Humanidades de la Universidad de Brighton, Inglaterra. Desde 1994 imparte un curso de serigrafía en la Universidad de Salamanca. Entre los premios obtenidos cabe mencionar varios primeros y segundos premios, menciones honoríficas y especiales en salones de arte de Argentina. Exposiciones individuales en galerías de arte, centros culturales y Museos de Buenos Aires, Madrid, Salamanca, Frankfurt am Main, , etc. Su obra se encuentra en museos e instituciones públicas y privadas nacionales y extranjeras. |
Tucha
Tucha participa regularmente en Ferias y encuentros de Arte Contemporáneo. Tras más de 80 exposiciones colectivas y treinta y tantas individuales su currículo se transforma en referencia vital: Fechas que definen encuentros que permanecen. |
Noema Tronconi
Su relación con las artes visuales proviene del ambiente familiar, y su formación plástica no fue académica, sino a través de talleres de oficios a nivel particular. Cursó estudios universitarios en la carrera de Filosofía, en Buenos Aires. A principios del año 1982, viaja a Madrid con el propósito de realizar un Doctorado en Filosofía del Arte, y fija allí su residencia. Entre 1982 y 1989 viaja frecuentemente a Italia. Comienza a exponer a partir de 1985 en adelante. Si bien ha explorado diversos ámbitos que actualmente son transitados por una gran mayoría de artistas plásticos, a saber: diseño, gráfica y video, su actividad se desarrolla particularmente en el ámbito de la pintura. Casi toda su obra se puede incluir en la sección de "pintura abstracta", o bien deriva de aquel legado contemporáneo. Uno de los anclajes fundamentales de sus trabajos es el tema cromático. En sus últimas obras propone un anatema a la mística del color, (Fra Angelico… Rothko), por considerarla a ésta recurrentemente inevitable y con un gran magnetismo visual. Ha realizado exposiciones colectivas desde el año 1985 e individuales desde 1987 y su obra figura en colecciones públicas como la Asamblea de Madrid |
Ricardo Horcajada González
Nació en Madrid en 1972. Doctor en Bellas Artes (Universidad Complutense de Madrid) en 2001 con la calificación de Sobresaliente Cum Laude. Profesor ayudante en la Facultad de Bellas Artes de Madrid del 2000 al 2003. Entre 1991 y 1993 imparte seminarios en diversas facultades de la Universidad Complutense de Madrid sobre el pensamiento de Walter Benjamin, Gilles Deleuze y estética y filosofía contemporánea. Desde 1994 actúa como profesor de dibujo, pintura y grabado en cursos y talleres de diversas instituciones en España y E.E.U.U. Desde el año 2003 es profesor titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Interviene como comisario en exposiciones celebradas en España y Portugal. Mantiene al mismo tiempo una intensa actividad como conferenciante (Ateneo de Madrid, Centro de Arte Moderno…) Ha realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas en instituciones culturales, certámenes artísticos y galerías de España (Alcalá de Henares, Gerona, Salamanca, Badajoz, Madrid) y del extranjero (Reino Unido, Lisboa). Su obra se expone de forma permanente en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, Colección de Arte L´Oreal, Fundación Colegio del Rey, Biblioteca Nacional e Instituto Cervantes de Lisboa. |
Rufino de Mingo
Nació en Escariche (Guadalajara), España Viene exponiendo desde el año 1985. Sus obras figuran en colecciones particulares y museos de España, Brasil, Japón, Perú, Cuba, Rep. Dominicana, Puerto Rico y Argentina Desde el año 2004 sus exposiciones más importantes han sido:
J. Fernández. (La Habana, Cuba, 2006) dice de su obra presentada en su ultima exposición en el CAM (mayo 2007, Madrid) “Si algo no ha perdido el arte es su capacidad de sorprender. A través de él, se restituyen sueños y vivencias que reinventan la lógica de cualquier tradición. Rufino de Mingo a través de su propuesta continúa jugando con esa relación ancestral que se da, entre el medio y el planteamiento conceptual de la obra, utilizando una manera de componer que no sacrifica su alteridad y esa decisión tan personal de nadar a contracorriente. ¡Que viva el color! , título al cual responde esta serie, es casi una explosión orgiástica, oculta en la pintura que había hecho con anterioridad. Esta obra rompe con la contención manierista. El deseo no es apresado, ni congelado en el momento de su consumación, porque es obligado a reventar en el más sensual de los barroquismos. El color se convierte en la carne de las figuras, ha escapado a su colocación planimétrica, estalla, rompe, se corta, vibra. Las pinceladas se yuxtaponen a partir de trazos cortos para reobservar desde lo febril de la pintura el propio objeto representado.[…] En la obra de Rufino de Mingo hay una contaminación de estilos, pluralidad lingüística, cierto interés por un decorativismo lúdico, donde el tratamiento “supuestamente superficial”, es sólo una estrategia para desde la ironía cuestionar la génesis de las estructuras sociales. Estas piezas se destacan también por la variedad de estilos, por conjugar métodos de hacer de la cultura popular y del arte más elitista. En el proceso de investigación de este artista, está la búsqueda del yo a través de diferentes personajes que funcionan como “alteregos”. De Mingo asume en ocasiones la postura de un hombre primitivo que se proyecta a partir de lo salvaje para replantearse formas de asumir y entender la vida desde la contemporaneidad. La serie de trabajos ¡Que viva el color! no ha perdido la hondura humana de toda su obra anterior Los tejidos cromáticos son la arquitectura de un pensamiento sensibilizado con las contradicciones que se generan en los nuevos tiempos. Hay una de estas piezas que impresiona por la actualidad del tema que trata. El fondo superior del cuadro es negro y un hombre trata de encontrar lugar firme para su pisada. Los brazos sostienen una soga que no logra centrar su asidero porque está moviendo banderas que simbolizan diferentes culturas e ideologías: la suástica nazi, la hoz y el martillo, la media luna musulmana o la cruz cristiana. Es la inmersión del ser en el no lugar, en una eterna deriva. A través de los pasos entrecortados de su personaje vemos la ausencia de cualquier asidero, la pérdida absoluta del rumbo. La figura humana va delineando su propia prisión. Las ideologías y las religiones representadas en las banderas ondean en un vacío donde no divisamos sus límites… |
Julián de Soto Sevilla
Nace en San Martín de la Vega, Madrid, 1953. En 1972 realiza estudios de pintura en la Escuela de Artes Aplicadas de Madrid y actúa durante tres años como copista del Museo del Prado, en obras de El Greco, Zurbarán, Alfonso Cano, Murillo y Rivera entre otros. Estas obras se hallan en Puerto Rico, Méjico, Luisiana, California y Nueva York. Alcanza el Primer Premio en certámenes de pintura de Valdemoro, Madrid (1971); San Martín de la Vega, Madrid (1972); Carabanchel, Madrid (1976); Talavera de la Reina, Toledo (1977) y Segundos Premios y Accésits en pintura en varios certámenes y salones. En relación con su vertiente de escultor expone en el Salón de Otoño del Palacio de Cristal del Retiro, Madrid (1977), así como en numerosas galerías y centros de arte de España (Madrid, El Escorial, Toledo, Ciudad Real, Segovia, Salamanca, Cuenca, Albacete, La Coruña, Santiago de Compostela, Lugo, Orense, Cangas de Onis, Zaragoza, Lérida) y el extranjero (México). Ha realizado hasta la actualidad numerosos trabajos de escultura monumental para instituciones civiles y religiosas, en especial una escultura monumental para el Campo de las Naciones, Recinto Ferial Juan Carlos I (Madrid), así como un frente en piedra para la Plaza Mayor de Valdilecha (Madrid), monumento en piedra para la Base Aérea de Getafe (Madrid), monumento a la Constitución en San Martín de la Vega, (Madrid), y monumento en piedra en el Hospital Sagrado Corazón de Jesús, Ciempozuelos (Madrid). |
